Matadero Madrid y el centro colombiano FLORA ars+natura colaboran en el desarrollo de un programa internacional de residencias. Así, desde el 27 de febrero y tras seis semanas de trabajo a puerta cerrada, los artistas y creadores de esta edición de El Ranchito exponen sus proyectos en la Nave 16 hasta el 22 de marzo.  

En esta ocasión, los artistas participantes en el intercambio, cuatro colombianos y cuatro españoles, seleccionados por convocatoria pública por los comisarios Jaime Cerón, María Wills, José Roca y Manuela Villa, son: Jorge Fuembuena, Carlos Irijalba, Asunción Molinos y Jorge Perianes (españoles) y Liliana Angulo, Catalina Jaramillo, Ana María Millán y John Mario Ortiz (colombianos).
 

El punto de partida y nexo común entre los distintos proyectos expositivos es una revisión crítica del legado de José Celestino Mutis y de lo que su expedición supuso para los contextos hispano-colombianos. Con un vínculo directo entre el Real Jardín Botánico de Madrid, donde se conservan las láminas originales; y la región de Honda, donde tendrán lugar las segundas residencias y donde se desarrolló la expedición de Mutis.
 

Proyectos

Jorge Fuembuena – PLANCTUM: ensayo visual que recurre a la idea de expedición para ir a buscar  y documentar las plantas en algunos lugares concretos donde habitan, nacen o son identificadas, para acentuar e interrogar esos espacios que contienen o que destellan una cierta especificidad.

Catalina Jaramillo – UN FLORILEGIO CURIOSO: instalación de motivos florales a partir de un diseño propio inspirado en los facsímiles de Mutis.

Carlos Irijalba – DROMOSFERA: vídeo, paisaje en movimiento.

Liliana Angulo Cortés – UN CASO DE REPARACION: investigación que revela el rol de la mano de obra esclavizada en la empresa científica colonial.

Jorge Perianes (sin nombre): mira procesos entrópicos y construye realidades improbables a partir de fragmentos inconexos.

Asunción Molinos – EL CONOCIMIENTO NO VULGAR: a través de un vídeo la artista recurre al saber tradicional para intentar subvertir simbólicamente el saber científico recuperando la práctica popular de la radiestesia zahorí como herramienta de deconstrucción.

Ana María Millán – SUGAR LOVERS: instalación con vídeo en clave de humor basado en dos especies estudiadas por Mutis: la hormiga obrera y la planta Borrachero o Floripondio.

John Mario Ortiz – NIVELACIONES – SIEMBRAS NOCTURNAS: instalación basada en los mapas de Caldas  hallados en los archivos del Real Jardín Botánico y el SGE (Servicio Geográfico del Ejército de Madrid).
 

En noviembre, y gracias a la colaboración de AECID, los artistas españoles viajarán a Flora Ars & Natura en Bogotá, Colombia y continuarán allí con el trabajo iniciado durante sus semanas de residencia en Madrid.

Esta nueva edición de El Ranchito se trata de una producción de Matadero Madrid, AECID y FLORA ars+natura, con la colaboración de la Embajada de Colombia, el Real Jardín Botánico CSIC y ARCO. El programa de residencias El Ranchito ofrece espacios de trabajo y residencia a artistas, arquitectos, comisarios, pensadores y otros productores culturales.

Durante el periodo de residencia, artistas de diversas disciplinas y nacionalidades compaginan su trabajo individual con la creación de una comunidad artística en el espacio abierto y compartido de la Nave 16 de Matadero Madrid.  Las residencias se estructuran en tres períodos definidos que varían entre seis semanas y tres meses de residencia común; seguido de una presentación pública de los resultados de dicha convivencia.
 

Las convocatorias tienen vocación internacional y facilitan que los creadores locales e internacionales, además de disfrutar de espacios de trabajo, se interconecten  entre ellos, favoreciendo la movilidad e internacionalización de los creadores locales. Gracias a AECID, los creadores locales no sólo trabajan con artistas internacionales en el seno de Matadero Madrid, sino que tienen la oportunidad de disfrutar de programas de residencias artísticas en otros centros internacionales.

Desde su nacimiento en 2011, El Ranchito ha recibido a más de 100 creadores de países como Japón, Turquía, Francia, Reino Unido, EEUU, Argentina, Perú, México o Brasil.
 

© Matadero Madrid / Fotos y video: Enclave Común

Perteneciente a esa generación post 68 "que pensaba que podía cambiar el mundo", el cineasta colombiano Luis Ospina maneja su resignación con honestidad y no duda en afirmar que hacer cine para él es "una forma de alejarse de esta realidad tan horrible" que le ha tocado vivir.

"Estamos viviendo los peores momentos de la humanidad, todo el proyecto humano desde el principio ha sido un fracaso. Seguimos matándonos los otros a los otros porque nos consideramos distintos, hemos destruido el planeta y ahora no hay salida. El hombre es el peor animal que existe", explica Ospina.
 

Pero queda el cine entre muchas otras cosas, un cine que para el director colombiano "no tiene nacionalidad", no entiende de etiquetas. "No me gustan esos apelativos de cine latinoamericano porque latinoamericanos somos muchos. Somos un continente separado por un mismo idioma. Las películas chilenas no llegan a Colombia, las películas colombianas no llegan a Argentina, las argentinas tampoco a Colombia. No me gusta ese 'ghetto'. Para mí sólo existe el cine", recalca.

Repasando el llamado "boom del cine colombiano" y sus causas, Ospina sostiene que el término pornomiseria sigue vigente todavía pese al paso de los años, al tiempo que ofrece una clara distinción entre aquellos que hacen reportajes y los documentalistas, pues los primeros "creen que su tiempo es más valioso que la persona que están filmando, mientras que en el documental debe ser lo contrario".

El "agente triple" (así se ha llamado al programa de proyecciones que ha podido verse en el Museo Reina Sofía en el marco de la Feria de Arte Contemporáneo de Madrid ARCO y con el que se ha repasado la obra del cineasta) considera en esta entrevista que "la muerte es la ausencia de memoria", por eso, en su opinión, "el cine tiene un deber con los muertos", para que no queden en el olvido. "O con los vivos que se murieron", matiza con esa media sonrisa de quien no cree ya en “ninguna causa”, pero cuyas palabras son demoledoras y necesarias en el contexto actual.
 

• Más información sobre Luis Ospina en: http://www.luisospina.com

© Fuente: Enclave Común

En el mercado de San Antón. En Chueca, uno de los barrios más céntricos y en boga de Madrid. “En una ubicación refinada y sofisticada, pero muy pública”. Con estas palabras nos recibe en Espacio Trapézio el maestro Antonio Caro, genio del arte conceptual colombiano, un pionero que por primera vez pisó Madrid para presentar su obra “Todo está muy caro”, un clásico que no debería pasar desapercibido en España. Y, de hecho, de eso se trataba, de que un entorno transitado por mucha gente, que acude al mercado a aprovisionarse de los víveres más cotidianos, tenga la oportunidad de encontrarse de frente, y detenerse, ante la obra de este artista que, como ella, tampoco pasa desapercibido.
 

“El objetivo es que el público transitorio se impregne un poquito de arte. Ese es el ideal y la esperanza de un artista. Espero, al menos, cuatro o cinco infectados con lo mío”, bromea Caro, ya lejos de aquel escándalo del busto de sal del expresidente Lleras.

En la entrevista que les ofrecemos ahora, Caro explica el proceso de gestación de este desembarco de arte colombiano en Madrid, el contrapunto que supone Ángela Cuadra en la exposición y su visión sobre el fenómeno llamado Óscar Murillo.
 

Atento, observador y preguntador de todo aquello que le sorprende en un sentido u otro, el maestro nos desvela, en la conversación que mantuvimos con él, algo mucho más importante: qué manifestaciones de arte prefiere y cómo se emociona sintiéndolo. “Se trata, como se dice aquí en España, de captar el ángel. Y sin ángel, no hay arte”, sentencia. Y es que Caro tiene ángel. Y se nota.
 

© Fuente: EnclaveComún

Dentro de las múltiples exposiciones y actos paralelos a ARCOcolombia que se están llevado a cabo por todo Madrid, Casa de América, acogió uno de las propuestas más interesantes: "Frente al otro: dibujos en el posconflicto", donde 12 artistas colombianos presentan el resultado del trabajo realizado en el 2013 con 130 reintegrados del conflicto en 12 ciudades de Colombia.

Doce miradas en doce lugares diferentes de Colombia con un sólo objetivo, convertir al arte en un agenciador de la transformación social, del diálogo social. Entre los artistas participantes están: Joni Benjumea, Javier Posada (Inu), Jaime Sanabria, Tatiana Córdoba, Kevin Mancera, Catalina Jaramillo Quijano, Angélica María Zorrilla, Andrés Bustamante (Frix), Manuel Kalmanovitz, María Isabel Rueda, José Rosero y Daniel Salamanca.
 

Jhony Benjumea ("Joni B"):

Maestro en Artes Plásticas de la Universidad Nacional de Colombia. Tuvo su experiencia en Medellín de donde surgió "Como me calmo yo".  Narra una suerte de conflicto sociopolítico en donde circunstancias de desigualdad llevan a que se armen ejércitos fuera de la ley que violentan a la población. El historietista construye un universo basado en los prejuicios que nos rodean escritos de manera tan cruda y sencilla, que llevan al cuestionamiento del lugar de donde provienen las versiones de la historia que nos contamos.

Andrés Bustamante ("Andrés Frix"):

Maestro en Artes Plásticas, de la Academia Superior de Artes de Bogotá, ASAB. Con su obra "Apunte número 30 para conversaciones malévolas de dos moscas en leche" Javier presenta un collage tras el taller dictado con los desmovilizados en Bogotá. Él nos describe lo que sintió: "Quedan así estos signos como geografías arrasadas por un sentimiento a medio camino entre la desolación y la claustrofobia, entre el desencanto y la frustración, algo perceptible en los pequeños detalles que afloran en la superficie de color, algunos constituyen meditaciones vagas, colores que no están utilizados por su credibilidad representativa, sino por su potencia expresiva, un apocalíptico mundo de fuego y temblor. Con matices de cambio e ilusión".
 

Tatiana Córdoba:

Maestra en Artes Visuales, de la Pontificia Universidad Javeriana. Con su experiencia en Valledupar, Tatiana realiza bordados con su propia cabellera, "No soy lo que parezco".  La artista dibuja los rostros de esos que alguna vez causaron daño, mostrándolos ahora delicados y cercanos. Gran retratista, se impone la tarea de llevar al material lo que sintió en esos días en Valledupar, esa sensación de fragilidad que vio en las miradas de los asistentes a su taller. Al presentarlos así, con todas las posibilidades de quebrarse, los humaniza y señala el temor y dificultad que significa ya no poseer el poder de mandar, violentando al otro. Los pone en otro lugar, más equilibrado, al mismo tiempo que exalta la emoción que le produjo acercarse a estas vidas deseosas de cambio, sensibles y comprometidas.

Catalina Jaramillo Quijano:

Maestra en Artes plásticas, de la Universidad Nacional de Colombia. A orillas del río Atrato se realizó el taller en Quibdó, donde la artista se presentó de la siguiente manera: "Soy artista, desplazada, soy víctima del conflicto armado de este país. Soy de Medellín, de la Medellín de Pablo Escobar y tuve que abandonar dos casas. Estudié en La Universidad Nacional de Bogotá. Soy maestra en Bellas Artes y me gustan los formatos pequeños".

Viendo el dibujo como una herramienta para darle el cuerpo a la memoria, pidió a los participantes una lista de las cosas más relevantes de su pasado y de su presente. De allí surge la serie "La gravedad de las cosas". De su experiencia Catalina cuenta, que "pese a todo, no se habló de guerra, no era necesario". "Y eso fue liberador, aunque estaba allí, era un pasado. Pues el presente para casi todos los asistentes es la familia, el trabajo y la tranquilidad. Sus tres pilares y las razones por las cuales normalmente abandonan las armas", añade.
 

Angélica María Zorrilla:

Maestra en Artes Visuales con énfasis en expresión gráfica, de la Pontificia Universidad Javeriana y Magister en Artes Plásticas y Visuales de la Universidad Nacional de Colombia. Trabajó en Cali con los reinsertados y luego de su experiencia realizó 6 piezas, 6 estampillas a modo de ilustración de las cartas que motivó a que los participantes del taller escribieran, como una forma de posibilitar el acercamiento sin temor a otro, una herramienta para minimizar la incomunicación y el desconocimiento que para la artista, son lugares comunes que abonan los enfrentamientos.

© Fuente: Enclave Común

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